Trabajo de Semana Santa Ejer6

Ejercicio 6: EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA

Comentario artístico de la obra

Clasificación general

La escultura que vamos a comentar es el "Extasis de Santa Teresa" de Gian Lorenzo Bernini. Se trata de una escultura de bulto redondo que representa un tema religioso (éxtasis místico de Santa Teresa). Bernini la hace en 1645 y pertenece al arte barroco. Se encuentra en la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma.

Análisis estilístico formal

El tema de la obra es religioso, es el éxtasis de Santa Teresa. La escultura representa en momento exacto en el que el ángel le saca la flecha del corazón y la santa muestra sentimientos entre dolor y placer en su rostro. Es una escultura de bulto redondo de cuerpo entero. La obra se encuentra en el altar de la Capilla Cornaro, de la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma. Está hecha de mármol y la técnica que utiliza Bernini es el cincelado.

Análisis de la forma

La escultura presenta un fuerte realismo. En el rostro de la santa que tiene la boca entreabierta y los ojos medio cerrados muestra en su rostro el dolor y a la vez el placer de la flecha que le ha clavado el ángel en el corazón. El rostro del ángel tiene una sonrisa pícara cuando le saca la flecha del corazón de la santa.

  

Tiene una composición abierta con scorzos como por ejemplo el del brazo del ángel. La obra tiene tres planos: en el primero se encuentra la santa, en el segundo el ángel y en el tercero los rayos de luz. Predomina la masa frente al espacio. Los rayos de luz de la escultura que son de bronce al brillar con la luz del sol le da luz a la escultura que es de mármol. Pero el tratamiento de la luz no es el mismo para el ángel que tiene para la ropa la técnica de los paños mojados que para la santa que tiene unos paños con mayor volumen que dan sensación de movimiento. El cuerpo de la santa está completamente tapado, solo se le ve el rostro, un pie y una mano que se encuentra "ingrávida" como si estuviera flotando. La santa presenta un movimiento contenido (éxtasis) y el ángel presenta un movimiento acto en potencia (sacarle la flecha del corazón).

Análisis significativo

El cardenal Cornaro le encarga a Bernini para ponerla en la capilla donde iba a ser enterrado el cardenal  en la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma. Este cardenal era veneciano pero por enfrentamientos con su familia decidió enterrarse en Roma. Esta obra está considerada una las obras maestras del alto barroco italiano.

 

Fachada de la iglesia Santa María de la Victoria (izquierda) y capilla Cornari (derecha).

Trabajo de Semana Santa Ejer5

Ejercicio 5: BERNINI


El rapto de Proserpina 1621


      

Es una escultura de mármol. Representa a Proserpina siendo raptada por Plutón. Presenta un contraposto retorcido y permite una observación simultánea del rapto. Es notable la representación de los detalles: Proserpina empuja la cabeza de Plutón estirando la piel y los dedos de este aprietan cruelmente la carne de Proserpina tratando de inmovilizarla. Presenta un movimiento violento como es un rapto y el tema es mitológico.

Apolo y Dafne 1622

   

Es una escultura de mármol a tamaño real. Representa un tema mitológico que es el siguiente: Apolo desafía a Eros en el arte de lanzar flechas. Eros molesto por la arrogancia de Apolo le lanza una flecha de oro que tiene el efecto de quedarte enamorado a quien hiriera y a Dafne le lanza una flecha de plomo que hace el efecto contrario. Un día Apolo ve a Dafne y se queda enamorado de ella pero ella huye de él y en la desesperación Dafne pide ayuda a su padre, el río Peneo que decide convertirla en laurel. Y cuando Apolo la alcanzó, esta iniciaba su transformación (escultura). Usa la contraposición de los elementos y el claroscuro. La composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos que reflejan el interés de la representación de las esculturas.

David 1623


  

Es una escultura de mármol. Representa justo el momento en que David le va a lanzar la honda a Goliat. Presenta un scorzo y en su rostro se ve con el ceño fruncido y mordiéndose el labio inferior en señal de concentración.

Tumbas de Urbano VIII (izquierda) y Alejandro VII 1628 (derecha)


   

La Tumba de Urbano VIII (izquierda) tiene una composición piramidal, dentro de la cual el único motivo de carácter funerario es el sarcófago. Utiliza mármol blanco y de colores, jaspes, bronce y bronce sobredorado.
La Tumba de Alejandro VII (derecha) tiene la misma composición que el anterior pero es más compleja con cuatro alegorías y una composición profunda.

San Longino 1629




Es una escultura de mármol de tres metros. La figura abre sus brazos violentamente, creando un eje que es cerrado por la lanza y que conforma así un diagrama de fuerzas trapezoidal. El rostro es de una gran expresividad y los pliegues de las ropas se encuentran arremolinados de manera arbitraria, como arrebatadas por el soplo divino, ocultando la anatomía de la figura y creando un juego de claroscuros.

Extasis de Santa Teresa 1645


  

Escultura hecha de mármol. Las dos figuras centran la atención del espectador. La santa Teresa de Ávila cuenta en uno de sus escritos como un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro. La escena recoge el momento en el que el ángel le saca la flecha y la expresión del rostro muestran los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer.

Fuente de los 4 Ríos en la Piazza Navona 1648




La fuente se compone de una base formada por una piscina de forma elíptica, coronada en su centro por una gran mole de mármol sobre la cual se eleva un obelisco egipcio de época romana, el obelisco de Domiciano. Las esculturas que componen la fuente, tienen unas dimensiones mayores que en la realidad y son alegorías de los 4 ríos más importantes de la Tierra (Nilo, Ganges, Danubio y Río de la Plata), cada uno de ellos en los continentes conocidos de la época. En la fuente cada uno de ellos está representado por un gigante de mármol.

Cátedra de San Pedro (izquierda) y el Baldaquino (derecha) 1657


   

La Cátedra de San Pedro (izquierda) es un altar transparente en el que la luz es utilizada como un elemento de la composición. La luz pasa a través de un vitral donde es transformada por el color de este, configurando la Gloria. En el medio de esta se encuentra la paloma, simbolizando el Espíritu Santo. Bajo este se sitúa la supuesta cátedra de San Pedro, recubierta de bronce y con relieves sobredorados. Esta se encuentra ingrávidamente sostenida y custodiada por cuatro figuras colosadas de seis metros que representan los Santos Padres de la Iglesia, dos de la iglesia occidental y dos de la oriental.
El Baldaquino (derecha) está hecho de bronce y simula la forma de un palio, en vez de un templete. Lo forman cuatro columnas salomónicas de 29 metros de altura que sostienen sendas proporciones de entablamento, unidas por una cornisa cóncava con colgaduras que imitan los palios textiles. De los vértices arrancan cuatro volutas convergentes, altas y finas, coronadas por un pequeño entablamento mixtilíneo.

Trabajo de Semana Santa Ejer4

Ejercicio 4: LOS TRES "DAVID"


     
David de Bernini, Barroco (izquierda), David de Donatello, Quattrocento, Renacimiento (centro) y David de Miguel Ángel, Cinquecento, Renacimiento (derecha)


El David de Miguel Ángel y el de Bernini están hechos de mármol, sin embargo el de Donatello está hecho de bronce. Las tres esculturas presentan una postura completamente distinta: el David de Miguel Ángel está en un contraposto, el de Bernini presenta un grave scorzo y el de Donatello presenta una curva praxiteliana.

     

En el rostro del David de Donatello se muestra tranquilidad, relajación, está mirando la cabeza de Goliat que tiene en sus pies, muestra el rostro como diciendo "por fin te he matado". Representa el momento de que ha matado a Goliat. Presenta una especie de sombrero y pelo largo. El David de Bernini muestra el momento exacto para tirar la honda. Se ve la ira en sus ojos fijándose en Goliat, a donde va a tirar la honda, un ceño fruncido y los labios intensamente apretados en señal de tensión y del momento que toma fuerzas para arrojar la honda. Representa justo cuando le va a tirar la honda. Y el David de Miguel Ángel muestra la preparación para ver cual es el momento ideal para tirarle la honda a Goliat. Tiene una mirada penetrante e intensa (terribilitá) y presenta una aparente tranquilidad.



La cabeza cortada de Goliat por una espada que pisa David de Donatello. El detalle de la honda de David de Bernini se aprecia que le está tensando y eso se ve en la fuerza de las manos y la mano de David de Miguel Ángel que tiene cogida una piedra y la tiene muy apretada por lo que se ve en las venas que sobresalen de la mano y los músculos de la misma tensos.

Los David de Miguel Ángel y Donatello presentan un desnudo completo característico del Renacimiento. El de Donatello presenta una altura normal y tiene sus partes proporcionadas pero el de Miguel Ángel presenta una altura fuera de la normal y no tiene sus partes proporcionadas ya que los brazos (sobre todo el que tiene la piedra) es más largo de lo que tenía que ser. Son clasistas y por lo tanto están idealizados ya que lo que quieren es la belleza ante lo demás. Sin embargo el de Bernini no presenta desnudo solo de cintura para arriba y utiliza como David a un hombre normal, quizás un pastor.

El David de Donatello se encuentra en el Museo Nacional de Bargello, Florencia y lo hizo en 1440. El David de Bernini se encuentra en la Galleria Borghese y lo hizo entre 1623 y 1624. Y el David de Miguel Ángel se encuentra en la Galería de la Academia, Florencia y lo hizo entre 1501 y 1505.

Las tres esculturas representan el mismo tema solo que cada una a su manera:
Miguel Ángel la representa en el momento que se está preparando David para tirarle la honda a Goliat.
Bernini la representa justo en el momento de lanzarle David la honda a Goliat.
y Donatello la representa cuando le ha cortado la cabeza David a Goliat.

Trabajo de Semana Santa Ejer3

Ejercicio 3:
Moisés 1515 Miguel Ángel (Cinquecento)




Es una escultura de mármol centrada en la figura bíblica de Moisés. Originariamente fue concebida para la tumba de Julio II en la Basílica de San Pedro pero finalmente el Moisés y la tumba se colocaron en la iglesia menor de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La estatua se representa con cuernos en la cabeza. Se debe a un error que cometió San Jerónimo al traducir del capítulo del Éxodo. A la izquierda y derecha de Moisés hay dos estatuas son Raquel y Leah. Tiene una barba larga y la tabla de los 10 Mandamientos.

María Magdalena penitente 1453 Donatello (Quattrocento)





Es una escultura de madera policromada, en edad ya madura, demacrada por el sufrimiento, vestida con una ajada prenda de piel y con una larga cabellera cubriéndole el cuerpo, se encuentra de pie con las manos huesudas unidas en actitud de oración. La expresión de su rostro revela la fatiga y el dolor por el que ha pasado, con los ojos hundidos y una dentadura que se aprecia mellada a través de su boca entreabierta, tiene los pómulos muy pronunciados por la extrema delgadez que también se aprecia en los brazos y piernas, donde se marcan perfectamente los músculos anatómicos. Esta estatua de Donatello se puede comparar con las versiones barrocas de este mismo tema. Se encuentra en el Museo dell'Opera del Duomo desde 1972.

Madonna de las Rosas 1450-1455 DellaRobia (Quattrocento)




Esta hecha en terracota vidriada y se encuentra en el Museo Nacional de Bargello en Florencia.

Cristo y San Tomás 1467-1483 Verrochio (Quattrocento)




Son dos esculturas hechas en bronce. Están situadas en un nicho externo de de la iglesia de Orsanmichele, Florencia. Ideó una composición de dos esculturas, Cristo en el centro del nicho y el Santo estirado hacia afuera, para evitar una perspectiva frontal rígida y para ayudar al espectador a identificar mejor a los personajes.

San Juan Bautista 1413-1416 Ghiberti (Quattrocento)




Es una escultura de bronce de 2.25 metros de altura. Representa al santo encargado de predicar la llegada de Jesucristo y de bautizar a los fieles para prepararlos para la llegada de este. Está tratado como una figura clásica, con gran volumen en sus plegados y fuerza en el rostro. Está realizada con tonos oscuros y brillantes, con un acabado muy fino que juega con el contraste de luces y sombras. Se pueden trazar algunas líneas rectas que indican sosiego, equilibrio y quietud, así como algunas oblicuas y onduladas, fundamentalmente en los pliegues de los mantos que implican un cierto dinamismo. Se encuentra en el exterior de la iglesia de Orsanmichele, Florencia.

Trabajo de Semana Santa Ejer2

Ejercicio 2:
Puertas del Baptisterio de Florencia, Ghiberti (Quattrocento)




Sacrificio de Isaac




Storia


Estos bajorrelieves están hechos en bronce ya que anteriormente este tipo de escultura se realizaba en piedra.
El relieve del sacrificio de Isaac está hecho en una superficie limitada que lo rodea y de ahí no se puede salir. Tiene distintos planos, un primero en el que se ve a dos personas con un burro, luego un segundo plano que es el sacrificio de Isaac que aparece desnudo y la montaña y un tercer plano que son los ángeles. Tiene zonas de luz y de sombra.
En la Storia aparecen edificios que es la primera vez que salen en este tipo de escultura. También hay distintos planos. En un primer plano están las personas, en un segundo plano está un edificio de planta circular , en un tercer plano está otro edificio más alto y en el último plano hay una montaña con personas.

Trabajo de Semana Santa

Ejercicio 1:
Puertas del Paraíso del Baptisterio de la catedral de Florencia Creación de Adán (Ghiberti, Quattrocento)




La puerta está hecha en broce. En esta escene hay un desnudo, el de Adán.

Condottiero Gattamelata (Donatello, Quattrocento)




Escultura ecuestre hecha en bronce. Representación de la actividad de la vida cotidiana de un capitán de una ciudad estado de la Italia de la Edad Media.

Condottiero Colleoni (Verrochio, Quattrocento)




Verrochio imita a su maestro Donatello, es una escultura ecuestre de bronce y representa una actividad de la vida cotidiana de un condottiero.

Cantoria de la catedral de Florencia (DellaRobbia, Quattrocento)




Está realizada en mármol. Representación de una actividad de la vida cotidiana como puede ser una fiesta en la que se tocan instrumentos y se baila. La expresión de las figuras está idealizada tienen una sonrisa "falsa".

La pietá del Vaticano (Miguel Angel, Cinquecento)




Está hecha en mármol. La virgen expresa sufrimiento porque su hijo está muerto, su rostro es serio con la mirada baja. Jesús tiene un scorzo y desnudo solo tiene cubierto los órganos masculinos.

Bóveda de la Capilla Sixtina: conjunto

En este cuadro voy a tratar el soporte, material y la técnica utilizada y la composición:
En cuanto al soporte está hecho sobre muro, en cuanto al material es tradicional y en cuanto a la técnica es al fresco.
En cuanto a la composición es cerrada.

La Inmaculada Concepción de El Escorial

Este cuadro está pintado al óleo sobre lienzo. Lo pintó Ribera entre 1660-1665. Pertenece al estilo del Barroco.
En este cuadro voy a tratar el color y el plano, espacio y la perspectiva:
En cuanto al color tiene un valor simbólico ya que la virgen tiene la túnica blanca y la capa azul ya que son los colores que representan la pureza.
En cuanto al plano podemos decir que hay tres planos. El 1º es la virgen, el 2º los ángeles y el 3º la luz de divinidad. Es una perspectiva aérea.

La Gioconda

El cuadro está pintado al óleo sobre tabla. Su autor fue Leonardo da Vinci y lo pintó entre 1503-1506. Pertenece al Renacimiento.
En este cuadro voy a tratar el tratamiento de la luz y el ritmo y el movimiento:
En el tratamiento de la luz podemos observar que la luz es lateral, ya que se ven zonas de claroscuros en su rostro y en el ropaje.
En cuanto al ritmo y al movimiento Leonardo ha utilizado los gestos y las expresiones para darle movimiento a la obra, como la sonrisa y las manos sobre el vientre que ha dado pensar que esta señora al posar estuviese embarazada y la mirada.

La balsa de la Medusa

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro se llama La balsa de la Medusa del pintor francés Théodore Géricault  y lo realizó entre 1818 y 1819. Pertenece al estilo del Romanticismo.

En este cuadro voy a tratar la temática y la línea:
Sobre la temática puedo decir que representa un momento histórico ya que el cuadro representa las consecuencias del naufragio de la fragata de la marina francesa Méduse, encalló frente a la costa de Mauritania el 5 de julio de 1816.
En cuanto a la línea hay trazo discontinuo ya que el cuadro representa movimiento. En cuanto a la línea y la profundidad hay línea sinuosa y discontinua que sugieren volumen y profundidad. Y en cuanto a la línea y su simbolismo la curva impone movimiento y el sentimiento de angustia y desesperación.

Ejercicio 4: Comentario de la portada de San Pedro de Moissac

A. CLASIFICACIÓN GENERAL


Es una obra escultórica, figurativa y religiosa. Es un conjunto escultórico. Es una obra de bajo y mediorrelieve. El nombre de esta obra se llama la portada de San Pedro de Moissac y pertenece al estilo del románico.

B. ANÁLISIS ESTILÍSTICO FORMAL


El tema del conjunto escultórico es el siguiente: El tímpano representa el Apocalipsis  de San Juan, es decir, la venida de Cristo a la tierra para juzgar a los vivos y a los muertos. Los laterales de la portada refuerzan el mensaje a través de bajorrelieves con escenas del Antiguo y Nuevo Testamento y representaciones alegóricas de la avaricia y la lujuria. En la jamba izquierda aparece el profesa Isaías; en la derecha, San Pedro. En el parteluz destacan las seis leonas de la Revelación, esculpidas con gran detalle.
La concretación del tipo de relieve del conjunto escultórico es de bajo y mediorrelieve.
El conjunto escultórico se localiza en la portada de la iglesia abacial de San Pedro de Moissac. La obra escultórica está pulida en piedra.

Análisis de la forma


La obra presenta idealización ya que la figura central es más grande que las demás ya que la figura central representa a Cristo y los demás son sus apóstoles. Según el sistema de composición utilizado se puede decir que la figura central (Cristo) presenta una visión frontal, mientras que las demás figuras presentan escorzo ya que están contemplando al Señor. Cristo presenta una composición cerrada y las demás figuras presentan una composición abierta giratoria. Pienso que presenta simetría pero tengo dudas, no lo tengo muy claro. Respecto con el volumen predomina la masa sobre el espacio y los volúmenes cerrados. la obra escultórica presenta espacio límite ya que tiene que estar enmarcada en el tímpano de la portada. Sobre la plasmación del movimiento yo diría que las figuras están en reposo tanto el Cristo como las demás figuran que presentan un movimiento giratorio ya que se tienen que girar para contemplar a Cristo.

C. ANÁLISIS ESTÉTICO O SIGNIFICATIVO DE LA OBRA


El Apocalipsis, tema muy frecuente en las portadas románicas, basado en el último libro del Nuevo Testamento, se reveló muy eficaz para los objetivos de la Iglesia medieval. De forma terrorífica se preconizaba el último acto de la Humanidad, el momento en que aparecía Cristo como juez supremo para juzgar a los vivos y a los muertos. Era el argumento ideal para convencer a unos hombres que sometidos a rigurosos límites morales decirles que en el más allá podrían encontrar su premio o su castigo. En un contexto como éste, la subordinación escultórica de las figuras secundarias a la de Cristo era fácilmente extrapolable a la necesaria subordinación, para mantener el orden establecido, del hombre medieval a su señor feudal